Sofía de Ciervo y PUNGA: el tango como territorio de riesgo, deseo y transformación

En PUNGA, Sofía de Ciervo se anima a tocar una fibra sensible de la música rioplatense, para tensar su raíz, intervenirla y hacerla vibrar en un nuevo contexto sonoro y simbólico. El resultado es un proyecto que cruza tango, milonga y candombe con electrónica, glitch y beats urbanos, y que propone una experiencia estética donde el cuerpo, la performance y lo ritual ocupan un lugar central.

Lejos de la nostalgia o el gesto museístico, PUNGA dialoga con una sensibilidad generacional que busca que lo argentino aparezca donde menos se lo espera: en la pista de baile, en la noche, en el ruido urbano. Ella no se limita a reinterpretar un género histórico, sino que construye un universo propio, atravesado por una mirada feminista y queer, donde el deseo, la sombra y la transformación funcionan como motores creativos.

Formada en canto lírico, actuación y psicología, la artista despliega una obra profundamente interdisciplinaria, en la que la música no solo se escucha, sino que se encarna. Cada canción se expande en un relato audiovisual y cada decisión estética apunta a incomodar, desarmar certezas y abrir nuevas lecturas sobre el tango y sus posibilidades en el presente.

En diálogo con ARG360, Sofía de Ciervo reflexiona sobre las raíces culturales, la identidad, el cruce entre lo acústico y lo digital, y el desafío de llevar el ADN rioplatense a territorios donde el tango todavía no había sonado.

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¿Qué significó para vos reconectar con las raíces del Río de la Plata —tango, milonga, candombe— y reinventarlas desde una paleta sonora contemporánea en PUNGA?

Reconectar con el ADN argentino y traerlo a nuevas sonoridades es profundamente emocionante. Como joven, un deseo muy potente es que la raiz argentina te interpele de repente, de sorpresa, en el boliche, en la calle, en cualquier momento respires esta música y te parezca nueva. Esta pasando con el folklore norteño y es un hito en la historia. El tango todavía tiene un camino por recorrer pero es excitante que haya empezado.

PUNGA parece dialogar con una sensibilidad generacional propia. ¿Cómo definirías esa voz hoy y qué lugar sentís que ocupa tu música dentro de ese relato colectivo?

PUNGA es la voz colectiva femenina que encarna el arquetipo de la sombra sensual y peligrosa. Este personaje permite tramitar eso que no se halla fácil, lo que se esconde en los recovecos y lo que es útil cómo arma de supervivencia para transitar una ciudad como Buenos Aires. El relato ocupa un serpenteo nocturno porteño y arrabalero necesario para coquetear con la oscuridad.

El álbum combina instrumentos tradicionales con electrónica, glitch y beats urbanos. ¿Qué desafíos creativos encontraste al buscar ese equilibrio entre lo acústico y lo digital?

Nos topamos con una cara de la electrónica que al intentar entregarle el germen argentino se nos escapaba cada vez que dejábamos de lado el instrumento acústico. La formula de intervenir los instrumentos reales dándoles el sonido digital y plástico fue lo que nos llevo a no caer en lugares comunes de lo ya escuchado en el tango electrónico. La sonoridad del contrabajo con Synths Sub lows y el piano con distorsión mantienen el sabor arrabalero con una formula actual. 

Las letras construyen escenas emocionales intensas, con personajes queer atravesados por el deseo, la furia y la transformación. ¿Qué historias te interesaba narrar y desde qué mirada?

Me interesaba narrar el drama y duelo psicológico entre dos pulsiones profundas y primarias que nos constituyen. Por un lado la inocencia, lo puro que esta visible y la contracara punga que cuánto más se la reprime, más puja por salir. Me gusta este concepto de integrar el lado punga y encontrar lugares para sublimar aquellas pulsiones. 

La performance, el cuerpo y lo ritual ocupan un lugar central en el universo de PUNGA. ¿Cómo pensás la relación entre cuerpo, identidad y música en tu obra?

El cuerpo es el medio en el que nuestra identidad se hace carne y la música que consumimos es aquella que hace vibrar esa identidad. Me divierte pensar que es hermoso que eso este en constante cambio.   Que se aparezca una música que te genere rechazo y haga temblar tu identidad. Creo que hoy en día está pasando mucho. Escuchamos música en dónde el instrumento es un grito, un sonido basura, ruido. Es también interesante preguntarse ¿que es lo que me genera rechazo de esto que escucho? ¿Tal vez me mueve un punto muerto?
Mi música es profundamente anti intuitiva. Cada vez que necesitas descansar en lo auditivo, te propone un giro inesperado que vuelve a colocarte en la incertidumbre y molestia de no saber que es lo próximo. 
Habitar el no se me parece vital y un lindo trabajo psíquico para entrenar la incomodidad. Estamos muy acostumbrados a hacer pie y de repente es lindo no encontrar el tope. 

Tu formación en canto lírico, actuación y psicología aporta una dimensión particular a tu propuesta artística. ¿Qué peso tiene para vos el cruce interdisciplinario en el proceso creativo?

El cruce interdisciplinario me parece escencial para encontrar qué decir. A través de la voz que me permita cantar en los lugares que la canción me pida, un cuerpo actuante y presente que me permita encarnar los personajes que encuentro y la psicología propone un marco que acompaña la historia desde un lugar universal y común. Gracias a esta comunicación entre los tres, se me hace viable la composición.

El tango es un género con fuertes tradiciones y normas. ¿Cómo dialogás con ese legado desde una perspectiva feminista, queer y contemporánea?

El legado estático del tango me parece el espacio más jugoso para introducir una narrativa nueva. La estructura rígida solo te deja la opción de romper para volver a armar de otra manera. Cuanto más firme, más deseo tengo de mover esas piezas. Me parece que es fundamental como mujer artista explorar las fronteras del tango y preguntarse hasta dónde se puede llegar. Obviamente sin destruir ni desmerecer lo hecho, simplemente trazando nuevos caminos para el género 

¿Qué referentes —musicales, artísticos o vitales— fueron claves en la construcción de este proyecto híbrido? ¿Qué te nutre creativamente en la actualidad?

Las voces y músicas de Juana Molina, Juana Aguirre, Rosalía, Rusowsky, Ralphie Choo proponen una comunicación entre el folclore de su país y lo contemporáneo. Sus búsquedas me nutren y han sido el faro del proyecto.

¿Qué tipo de recepción esperás del público, especialmente de quienes provienen del tango tradicional y de la escena urbana? ¿Buscás ampliar audiencias, generar tensión, abrir nuevas lecturas?

Mi deseo más grande es crear una nueva escena en dónde el gen argentino sea lo buscado. Creo que esta instalada en Buenos Aires pero desde un lugar no tan rupturista aunque si profundamente actual y novedoso. Pensamos que los tangueros tradicionales iban a detestar el proyecto pero hubo sorpresas. Algunos muy enojados y otros gustosos de escuchar un tango de una forma nueva. Igualmente no quiero como artista introducirme en la escena tanguera sino que llevar este adn a lugares en dónde nunca antes sonó un tango.

Cada canción del álbum cuenta con su propio clip, formando una narrativa audiovisual en episodios. ¿Qué rol ocupa la imagen y el video dentro de tu identidad artística y hacia dónde te gustaría llevar ese lenguaje en el futuro?

La imagen y el video ocupa el lugar de completar narrativamente lo que empieza a decir la canción. Para descifrar en las letras la historia psicológica de la que hablo requiere estar de este lado de la composición ya que es bastante abstracto.
Encontrarle el lugar simbólico y un universo estético me parece fundamental. No sólo queríamos elegir una estética que se aleje del tango como lo es la esgrima pero también encontrarle el símbolo de las dos mujeres enfrentadas que representan el duelo entre arquetipos psicológicos  

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